厦门后期影视制作学习

动画后期制作技巧

随着经济的快速发展，动画成为世界文化的传播媒介之一。而对于体现动画角色个性的动画配音语言则更应得到人们的关注。下面是动画后期制作技巧，一起来了解下吧： 【动画后期制作技巧】 一、分镜头的策划 分镜头台本是导演把一个故事的画面表现落实到以镜头为单位的具体画面的过程，可谓是一部片子中的一位导航者。作为导演要把心中的想法和自己所要追求的片子的艺术风格很好的传达给创作团队的每个人，以便实现集体劳动中的思想统一。分镜正是最直观最有效的方法.导演的职责最主要的表现在对片子的整体掌控，在创作过程中甚至可以没有很好的编剧但分镜却是缺一不可。在创作中，这一部分的掌控能力却有着很大的难度。在分镜中除了要把握整体风格外还要体现出应有的专业性，在部分的镜头上可以采用对经典影视、动画作品进行模仿与研究。因此，要达到动画片最后效果的满意，必须对每个镜头都有明确的表现，使主创的个人主观思想融人其中。 二、后期制作流程 (一)人物动作摆动处理 富有特征性的动作，以表现人物的性格、品质、身份、地位、处境、状态，才能让人印象深刻。 动画是“动”的艺术，动画角色的运动又是其表现的重点。动作是刻画人物的重要方法之一。人物的每一行动都是受其思想、性格制约的，《向前冲》的人物性格设定的是一个无所畏惧，勇往直前，积极乐观的人物形象。人物的风格也是趋于可爱的，有时候会略带一些滑稽。所以在动作的摆动时，也尽量夸大其幅度，赋予夸张的效果。 同时通过动作也能体现主角当时的心情及状态。比如在与恐龙PK之后的胜利会让主角上下跳跃来表现他的雀跃，而在经历过几番决斗之后，主角耷拉着头慢步向前走时，那种筋疲力尽也让人一目了然，最终终于迎来了胜利灿烂的阳光，他向前奔去的时候加快了他动作的摆动，来表现他的兴奋与激动。 剧本赋予的人物要求，大都是在行进中，所以人物的动作，走路、打斗占了很大的比例。走路一共做了三个面向的人物走路动作，正面，侧面和背面。在打斗的时候，会着重于表情的特写，表情丰富、夸张，让片子更添趣味感，也让人物更加生动起来。画面感也随之丰富，有活力。而一些特别场景，就会让人物的动作干脆利落。比如主角遇到喷火恐龙，PK胜利之后的最后一场戏中，主角和恐龙同站在PK台上主角干净利落的一个拳击出手，恐龙便飞出了画面。 (二)背景的处理 为了让人物在行进的过程中，让画面更丰富，背景也是不可忽视的一点。注重背景的处理不仅让画面感更强，而且也加重了整个动画的趣味性。比如海底的一场戏，当主角被鲸鱼吃进肚子里游走后，旁边的一条小鱼呈惊吓状续而加速游走，还有天空的一场戏中，主角的气球被扎破，后面的小鸟迅速飞走。怜悯主角的悲惨下场。我认为这样的处理方式使画面看上去灵活很多。 (三)镜头的运用 按照《向前冲》分镜头的设定，在镜头的运用中主要是几个基本的镜头技巧。1.摇镜头。当摇镜头时，它在场景中从一个方向移到另一个方向。从左到右摇或者从右到左摇，从上到下摇或者从下到上摇。比如：第一个场景，主角从左走到右时，用的就是这种镜头，这个片子因为大都是主角在行进中，所以大部分镜头用的是摇镜头。 2.推拉镜头。推/拉镜头关系到对图像进行大小的缩放。能对一个物体进行推镜头以观察某个特定的部分，也可以用拉镜头向观众展示全部的景象.对一个物体用推镜头，必须把舞台上的所有元素都以相同的速度放大.用拉镜头，必须缩小影像显示完整的图像。此镜头主要运用于画面的特写部分。比如：在夜晚的一场戏中，当主角进入到画面时，给的是主角的特写镜头，它看着前方头上出现三个问号，这时画面逐渐缩小，显现全景，这时画面中的大嘴怪出现，让大家知道发生了什么。我们觉得这样的镜头能让故事看起来有一种悬念感。 倒数第二个镜头，是主角即将迎来胜利的阳光，奋力向前冲跑的景象，我认为这一景有点题的作用，恰到好处的与题目《向前冲》相呼应。所以在这场戏里运用到了主角三个面向(正、侧、背)向终点奔去的镜头，并加快了主角的动作，想要表现主角兴奋、激动之情。 三、合成・剪辑・配音――感性的后期剪辑 (一)合成、剪辑 这是将画面联系在一起形成流畅视频的关键一步。动画短片在软件中进行合成处理，做出最终效果。将所有的片段合集在一起，镜头的推拉摇移运动和视频音频转场都要在这一环节实现。后期也不可能只是单纯地用软件来做，前提是要熟练掌握软件，并且要经过前面工作的长期铺垫才能够完全体现出来。在创作中剧组经过详细讨论与实验后开始了精剪环节，删去了部分镜头，有时候还重返中期制作增加了几个镜头，使故事更加明确清楚.接着完成了所有镜头的拼接，并用影视理论和镜头语言去推敲，以完善整个影片的节奏。 (二)配音 动画短片的配音环节一直是一个重要环节，主要从背景音乐、人物语言和音效入手。好的配音不仅会让整个故事增色不少，也赋予整个故事生命力。而曲风和动画风格统一确不是一件易事。在背景音乐的选择上不能让音乐显得太突兀或者风格不符合而破坏整个故事。《向前冲》主要描述的是主角一路遇到困难，然后解决，胜利的故事。主要靠肢体语言连贯整片，并没有太多的对话。关键就是音效了。因为有很多的打斗画面，音效是整个配音环节中的重点。 在音效配入中，因为条件不成熟，不可能进行现场配音，我们只能在网上查找音效，对于有些长的音效需要对其进行剪切，保留最理想的音效。找到匹配的声音对上节点是非常重要的。我们觉得声音的大小也是不可忽视的一点，可以增强听觉上的冲击感。在主角和怪物打斗的一场戏中，主角用飞镖去投掷怪物。我把飞镖砸在怪物身上的音效加大了，想达到听觉上的冲击。 【动画制作光线运用技巧】 一、动画中光线的运用 动画作为影视作品的一个特殊的领域，光线同样适用于此。动画创作者是在二维平面上挥洒想象力，描绘出不同于实拍影视作品的世界。光线就像是神笔马良一般，给二维动画的镜头画面涂上了五彩斑斓的色彩，让原本平面的二维空间凸现出来，灵活生动的走出平板的世界，展示在观众面前。作为动画创作者，也应吸纳绘画艺术家，戏剧舞台创作者，平面摄影乃至实拍影视创作者们的创作精华，深入的分析探究光线在镜头画面中的魅力。 同样都是使用光线照亮画面、突出角色、反映镜头画面信息，如果没有光造型的光影效果，动画画面将变得平板和单调。相比较之下，动画中的光线运用应该比实拍影视来的更加无拘束、更加自在，因为我们能用光线进行再改造、再解构。理解和熟练掌握光线对于我们来说非常重要，不同画面的视觉要求达到的效果不同，不同类型的动画影片要求的风格不同，那么我们使用的光线也就要相应的去改变。 如何调整、把握光线造成的光影效果，配合动画镜头画面、达到我们想要的理想效果，简单而明了的让观众去了解到我们创作者寄托在镜头中的情绪、思想，我们为此都需要好好探究光线在其中的运用手法。艺术源于生活而高于生活，动画作为可以发挥我们天马行空想象的一门艺术创作，需要我们在懂得如何使用光线的基础上，能够更加夸张、更加有意识的去掌控光线造成的效果，不同于影视创作地、更加大胆、精辟的表现角色、氛围、情绪，完成优秀的动画作品。 二、光线对动画创作起到重要的作用 光线作为影视语言的一方面，对动画创作也起着同样重要的作用。没有光线的影片是单调的、平板的，光线能够更好地提升我们动画作品的美感、艺术性，传达我们创作者的思想情绪，更好地完成一部完整优秀的动画影片。光线能成为动画中的一个重要元素，来构成动画镜头画面中表意、画面构成甚至是组成节奏的一部分;光线也对于角色视觉造型的精神面貌塑造、叙事情感表达起着重要作用;并且还能直接反映出一个动画导演的风格，影响整个动画影片带给观众的直接感受。 三、动画创作中光线的实际操作 在影视实拍作品中，光线是通过灯光师的打光来完成。角色及环境只要处于打光的照射范围下，便可以通过调整角色和环境之间的位置、摄影机与角色之间的位置、景别的大小，来展现各种光线对其中的影响作用。动画作品在与影视实拍作品相近的同时，又有着很大不同。虽然它同样作为影视作品是用光来呈现作品画面中的角色、空间关系，但是动画影视创作毕竟是在二维平面上构建三维立体感、铺陈叙事、表现主题情感思想的。 因为动画作品，尤其是二维动画，它在创作表现上是与绘画分不开的，它趋向于平面绘画艺术。它是在白纸上来完成的全主观的概念设计，所以无论是剧本故事上的发展、角色设计、场景观景设计，还有细节等等，更加的天马行空，比起实拍影视作品有更多的自由度。 光线在动画创作中的实际操作主要归结十前期的工作。一般来说，制作者是在一开始的前期设定―整体风格概念设计、角色设计、环境设计中来进行设定和把握的。具体规整到动画创作的细节中，也就是在分镜台本里进行表达―在每一组镜头中如何运用、在每一组镜头的每一个镜头中怎样衔接。这是我们作为动画艺术创作者应当思考和解决的问题。一方面就以这两方面来谈谈如何在实际操作中将光线的表现手法融入到二维动画制作里。 四、动画前期设定中对光线表现的要求 在前期设计中，就应该对光线统筹规划，设计出相应的光影效果。这个前期策划，是需要依据动画影片的类型、题材来做出相关的策划案。虽然就目前来说，没有客观上明确的主题类型划分，这与每个人的主观理念是分不开的，影视作品的类型呈现多样性而每个人心中的标准都是不同的。但是作为动画创作者，仍然可以根据想要表现的主题来进行光影上的概念设计。每一部不同的动画影片都对光线的要求不同。在设计光线之前，我们需要对所要制作的动画作品有一个统筹的理解，去分析这个动画作品是需要什么样的光影来表现主题，形成影片独有的风格。动画影片中有以商业为主的，也有以实验目的为土的。 1、商业为主的动画影片 基本上，多数市场上的动画影片都以商业为主，并且商业动画还分为了很多不同情绪基调的动画作品。比如有爱情类型的、喜剧类型的、历史教育类型的、惊悚类型的、冒险格斗类型的等等，这何一种不同情感基调的影片，其中的光影概念设计都必须依照所要表现、传达的情绪气氛来进行前期整体设计。 2、实验为主的动画影片 与商业片不同，实验动画在光影上有更加自由的个人发挥空间。有些时候，影子可以完全没有，有些时候，影子又可以充当整个影片画面里**表现角色行动和剧情走向的重要元素。这些和导演想要表现的风格是密不可分的。在明确掌握我们要做的动画影片所要的光影风格后，就从策划案开始对光影效果进行规划。所谓策划案，便是首先将自己作为导演想要达到的最终效果用概念图画出，并且一定是会有光线的效果体现在其中的。接下来在进行人物设计、场景设计时，也是在绘制的时候将光影的效果绘制出来。 【动画后期配音技巧】 一、影视动画艺术作品中的语言分类 影视声音中的语言，是指影片中各种角色(人类或非人类角色)发出的有声语言。此外，还有书面语言(画面字幕)来表达角色的内心思想。它与音响，音乐共同构成影视作品中的声音，它起着叙事、刻画人物性格、揭示人物内心世界等作用。 影视语言中的有声语言包括客观语言和主观语言，动画作为影视作品类型中的一种，其也具有以上的特性。 (一)动画的客观语言可分为独白、对白、群声等几种样式 动画中的独白又称“内心独白”，是对人物心理活动揭露的表达。因为独白是与其同步的画面中角色所发出的，因而其表现的是角色在此时此地的内心活动。 对白在动画影片中是最常见的。通过角色间的语言交流，不但能帮助观众更好的理解影片的内容，也能更直接的通过语言了解角色的心理活动。 群声即背景人声，是动画影片中一个不可缺少的部分，因为有了它的存在我们的动画片才会有比较生动的背景语言，让观众会有更多身临其境的感觉。 (二)动画的主观语言是以内心独白、旁白为主的几种样式 内心独白是片中角色内心与观众交流的形式。内心独白在动画影片中也运用较多，其主要是以角色内心的自言自语来告诉观众自己此时此刻想要说的话。 旁白是以第三人称的叙述为主要表现形式来说明事件的发展。在动画作品中，旁白也是不可缺少的部分，其一般在动画片的开头或结尾运用较多，在故事开始起到对影片说明或介绍故事背景的作用，而在故事结尾则起到对结局补充说明或有更引申的含义。 二、动画中声音的重要性 人类通过语言来进行沟通和交流。因为有了语言，人与人之间才能以更直接更便利的方式来分享彼此的故事，彼此的心情，还有某一时刻的喜、怒、哀、乐。在电影**，有声电影是以1927年美国影片《爵士歌王》的诞生为标志的。之后的电影艺术家如爱森斯坦、克莱尔对声画关系形式加以发展，才使声音“从一种复制的技术转变成一种创造的艺术”。 声音被看作是当代影视作品中的重要组成部分，即使是在无声电影时期，声音也没离开电影，其一直伴随电影的发展而不断发展着。早期的电影制作者对声音价值的怀疑主义态度间接地由若干代评论坚持下去，在他们看来，电影实质上是视觉艺术，声音的作用仅仅比肤浅的伴奏稍好一些。近年来，对于这一视觉霸权理由的声明有不断增加之势。 可从历史的发展，从科技的进步，从人类对精神满足的向往这些角度看，动画不能再局限于简单的会动的艺术，而应该是更贴近人类生活的艺术的运动。有声电影的存在是能够更加丰富动画的艺术内涵。雷诺阿曾在《我的生活与我的影片》中写道:“我欣喜地欢迎它(声音)，我立即看到声音的全部用途。一切艺术创作的目的，归根结底，是关于人的知识，难道人声不是传达一个人的个性的**手段吗?” 三、运用配音语言的魅力创造个性动画形象 如今观众需要的不仅是剧中人物把话说清楚，更要求把语言进行加工、提高，使之达到典型化、性格化，增加可信度，从而得到艺术享受。对于动画配音演员来说只能通过声音的强弱，音调的高低，声音力度变化节奏的快慢来表现各种各样的形象，以及各形象不同时期所表达的情感意义。 (一)理解动画角色情感，创造生动人物形象 配音演员要想用语言塑造出个性鲜明，感染力强的角色，首先要理解人物，体会人物的思想感情，从而挖掘出表达人物感情的依据，只有注入了深厚情感的语言才能打动听者的心，才能使人物更具生命力。拿韩国动画《五岁庵》为例说明，片中的五岁男孩和他的姐姐因为灾难失去了**可依靠的母亲，姐弟俩只能四处流浪，过着饥寒交迫的日子。故事结局是小男孩带着对亲人的深深怀念而永远离开人世。片中为姐弟俩配音的演员完全把自己融入到角色之中，“姐姐”的声音是柔和悦耳，带着对“弟弟”无限疼爱的感情;“弟弟”调皮可爱，话语中透着孩子对世界的好奇和不懂世事的纯洁。舒缓的配乐加上演员贴近人物感情的语言，打动了所有观者的心。 (二)抓住动画角色个性，创造生动人物形象 动画中角色大多是以现实中的人为题材创作的，这些角色也具有不同人身上的不同性格，每个角色都有属于自己的性格特点，而不同的性格又是通过语言的交流方式表达出来的，不同性格的人便有不同性格的语言。动画制作是从一开始就严格按最后效果设计，所以动画中的角色形象，角色特性也是**就设定好的，这样就在后期配音过程中更要求语言要符合画面人物形象。当然，在国外有些大型的动画制作公司会先通过配音演员的外形特征，说话的语速、语调来设定更贴合于配音演员的动画角色，使画面中的人物更显生动。 (三)运用动画语言的夸张性，创造生动人物形象 动画片不需要具有常规电影那样的真实性，它不受物理法则的束缚，它不需要去模仿生活只用来解释生活，其具有假定性。而动画的这种假定性又给配音带来无限度的自由，声音的加入为动画角色注入了生命和活力。而对于动画形象本身又具有夸张特性， 这也使得动画的语言特性与常规影视片有较大不同。比如像我们所熟知的日本动画片《灌篮高手》，片中的男主角樱木花道被少男少女所喜爱。这一主角的亮点就在于他夸张行为动作背后的那一句句夸张无比的话语，让人一听到那声音就能想象出该人物的表情动作。 【动画制作技巧】 一、剧本创作 “有人说，一个好剧本，遇到平庸的导演，可能被拍成二流的影片。但是面对一个不够好的剧本，无论多么天才的导演，多么努力，都无法拍出一部出色的影片。”我们能够清楚地看到：在剧本这个阶段，人物、故事情节、影片的主题内涵，这些影片内容最重要的部分都已经确定。剧本的重要性由此可见。选错剧本，注定无法创作出好作品。尤其对于动画片来说，制作起来要花费很多时间和精力。很多创作者在剧本创作这一环节上却格外“吝惜”时间，总是期望在制作的过程中对影片的不足加以弥补，实际上如果在剧本这个阶段没有打好基础，那么后面的工作也就是“无用功”了。 “有人讲，只要写剧本，你就必须按摄影机角度来写：你问为什么，他们就含糊其辞地说什么‘导演及指导拍什么啦!’”因此这些便变成了一种“摄影师机角度来写”的不厌其烦而又毫无意义的做法。剧本自然就没有了该有的穿透力。创作中，剧本的创作是否具有视听表现力，打动人心尤为重要。“影视剧本的创作，是为今后影像拍摄做准备、打基础。”那么在剧本的创作中，就不仅要把故事讲好，把人物塑造好，还有一个很重要的要求：“你的剧本是否具有视听表现力。这部作品的感染力是否够强，还是会因为影像的独特表现力而增长了?” 我们常常在读小说的时候，会被那些优美、独特的文学表达方式所打动，但是无法直接转化为影像或声音展现出来，内部的抽象的东西只能让观众自己去感受、体会。因而，富于视听表现力的情节设置，简洁准确的语言才是剧本所需要的特征。在创作过程中一直用这样的标准严格要求自己，剧本不仅要自己能懂，也要让别人能看懂，在看的过程中都能自然的想象出画面，让剧情在意料之外又属情理之中。 “世界上没有精灵和妖怪等，但也绝对不是漫无边际的胡思乱想，而是尊重人们的思维习惯和审美情趣，营造梦境，这套新逻辑的核心不在于‘科学定理’，不在于‘现实的真实性’，而在于‘入情入理’”。 这种创作方式，在宫崎骏的动画片中得到了有力的体现，也获得了很大的成功。 动画片“(例如《龙猫》)”，就是把幻想中的角色放到了真实环境中：姐妹俩生活在恬静的乡村，稻田、农庄……一切看起来都和真实生活没什么不同，姐妹俩也都是普通女孩，但是这个世界中却有个神秘动物：龙猫。当这个毛茸茸的庞然大物出现之后，姐妹俩的生活变得与众不同了，她们有了一段奇妙的生活经历。在自身创作过程中，编剧也结合生活经历和感受将看不到摸不到的理想、现实和乐观创作成活生生的角色贴近观众内心。 二、节奏和时间的把握 节奏是一个美学范畴，是各门艺术的一个构成元素。同时它也是动画制作的重要艺术元素之一。动画的节奏主要体现在叙事结构、分镜头、动作、音乐等等方面。而对叙事结构节奏和分镜头节奏的把握是动画片前期工作重点，直接关系到一部动画的成败。 本课题重点研究叙事节奏和分镜头节奏的把握，“叙事结构的节奏的把握是分镜头节奏的前提，分镜头节奏是叙事节奏的发展”。动画的叙事结构的划分，可以用开端、发展、高潮、结局四段式，根据事情和人物情节变化的进程而设置。这样剧情便很自然地、令人信服地进入高潮。节奏高潮部分一定要做到精炼、集中，一拖拉，就平淡了，掀不起“潮”来。分镜头节奏是从镜头按不同的长度和幅度关系将镜头连接起来产生的。大景别，全景给的时间多一些，给观众传达更多的信息;近景，特写给的时间短一些，不至于让观众产生视觉疲劳。还要根据主人公的情绪以及观众的情绪做节奏上安排，让观众跟着主人公的心理走。 “影像运动的一切构成因素，产生出或快或慢、或重或轻、或急或缓、或近或远、或大或小、或明或暗、或虚或实的节奏变化，是视觉器官做出反应的前提。”由于观众观看活动的位置是固定的，它的视线方向与摄影角度的方向实际上不一致，但视觉经验补偿了这种差异。一般地说，将不同角度，如俯拍、仰拍、摇拍、移动拍摄而成的镜头较快的组接起来的动画片片段，和把远景、近景、大全景和特写，包括快速变焦推远或拉近的镜头组接在一起的片段，观看活动的视觉节奏也就加快。 我们对远景的观看比较松弛和舒缓，对近景和特写的观看就容易紧张起来。一部动画片中非中立态度的视觉角度的比重必然在形式上、画面节奏上形成比较强烈的韵味。这一方面上一个足够优秀的导演知道什么镜头什么环境什么情绪该给多少时间才能让观众有相同的感知。